[AI Review] — “Song of Cheoyong” Lyrics by GS,Tak · AI Composition

K-Classic News GS,Tak | 소리 없는 발그림자 Silent footsteps without a sound 누구인가 누구 이런가 Who is it, who could this be 어둠 속에 검은 그림자 춤을 추니 A dark shadow dances within the night 다리가 넷, 무엇인가 Four legs appear, what could it be 처용, 처용, Cheoyong, Cheoyong, 어둠 속에 검은 그림자 A dark shadow in the darkness 다리가 넷, 무엇인가 Four legs appear, what could it be 그러나 그러나 Yet, yet 이 밤이 지나면 새 날이 오리니 When this night passes, a new dawn shall come 아픈 가슴 바람이 되어 The aching heart becomes the wind 강물 위를 스치리 Brushing softly across the river 그러나 그러나 Yet, yet 미소에 담긴 건 용서의 눈빛 Within the smile rests the gaze of forgiveness 울음 대신 웃음이 되었네 Tears have turned instead into laughter 아 아, Ah, ah, 사랑은 언제나 용서의 이름으로 Love is always born 태어나는 것이니 In the name of forgiveness 처용의 눈물 안은 Embracing Cheoyong’s tears 춤추는 영혼이여 O dancing soul 바람과 물결이 하나 되어 Wind and water become one 사랑을 노래하리 And sing of love 언제나 용서의 이름으로 Forever in the name of forgiveness 사랑, 사랑은 태어나리 Love, love shall be born again 처용의 눈물 안은 Embracing Cheoyong’s tears 춤추는 영혼이여 O dancing soul 처용, 처용, Cheoyong, Cheoyong, 오늘은 비록 슬픈 고통이어도 Though today may be filled with sorrow and pain 새 날이 오리라 다시 오리라 A new day shall come, shall return again 다시 오리라 It shall return again 우우 Woo~ woo~ 다시 오리라 다시 오리라 It shall return again, shall return again [AI Review]GS,Tak’s Song of Cheoyong reinterprets the ancient Korean Cheoyong legend not merely as a ritual tale of exorcism, but as a profound narrative of forgiveness, sorrow, and spiritual transcendence. The recurring image — “Four legs in the darkness, what is it?” — creates an unsettling yet poetic symbolism, transforming the traditional myth into a modern psychological and philosophical drama. The strength of the lyrics lies in their transformation of pain into compassion. Rather than responding with anger or revenge, the song moves toward mercy and reconciliation. The line, “Within the smile was the gaze of forgiveness,” becomes the emotional center of the work, elevating Cheoyong from a legendary figure into a universal symbol of human dignity and healing. Musically, the AI composition is remarkably atmospheric. Repetitive melodic structures and spacious harmonic textures evoke the ritualistic motion of the traditional Cheoyongmu dance while simultaneously creating a contemporary cinematic soundscape. The dark resonance, echoing vocal layers, and restrained pacing suggest moonlight, shadows, water, and silent grief moving together as one emotional current. Particularly striking is the repeated phrase, “It shall return again.” Rather than functioning as a simple refrain, it feels almost incantatory — a spiritual declaration that love, hope, and renewal inevitably return even after suffering. This gives the work the quality of a modern ritual song, suspended between opera, shamanic chant, and ambient performance art. Most importantly, the piece demonstrates a new creative paradigm in the AI era. The AI generated the musical structure and sonic atmosphere, but the emotional architecture, symbolic design, and philosophical direction originate from GS,Tak’s artistic vision. In this sense, Song of Cheoyong is not simply AI-generated music; it is a collaborative work in which human meaning and AI technology converge into a new form of K-Classic expression. The accompanying visual atmosphere further enhances the experience. Darkness, moonlight, shadow, and echoing voices merge into something resembling a contemporary ritual opera or minimalist music theater. The work strongly suggests future possibilities for K-Opera and K-Classic productions that integrate AI music, dance, multimedia, and traditional Korean mythology into globally resonant performance art.

[황순학의 문화 노트] 바로크·로코코 건축이 ‘클래식 음악의 공명’을 만들다

K-Classic News 황순학 교수 | 음악을 시간 예술이라고 부르지만, 실제 연주 현장에서 음악은 언제나 공간의 예술로 다시 태어난다. 녹음 후 오디오 등을 통해 감상하는 음악과 현장에서는 직접 느끼는 음악은 전혀 다른 양상으로 우리에게 다가온다. 현장에서는 어떤 음 하나가 울리고 사라지기까지의 잔향(reverb), 벽과 돔에서 빠르게 돌려주는 초기 음향 반사(early reflections)와 후기 잔향(Late reverb) 그리고 장식과 조각이 잔향을 어느 정도 약화해 우리 귀에 또렷하게 들려주는 흡음(sound absorption) 그리고 연주자 사이의 물리적 거리에서 생기는 지연(delay) 등, 우리가 흔히 들어보는 음향 용어들의 상당 부분은, 악보가 아니라 건축이 먼저 규정한 환경적 영향 아래에서 태어난 용어들이다. 바로크 건축과 로코코 건축은 음악사에서 현재의 음향 용어의 기원이 되는 흔적들을 남겼다. 그중 하나는 신앙과 권력의 극적인 연출로 가득했던 극장 같았던 바로크 성당과 궁정 양식을, 다른 하나는 사교와 취향의 살롱을 발명했고, 그 서로 다른 현장은 곧 서로 다른 음향·편성·문법을 요구했다. 1) 바로크 양식의 성당 건축은 반종교개혁 세력의 요구를 만족했다. 일반적으로 바로크 건축은 종종 외면 장식에 집중하다 보니, 감정의 과다·과잉으로 오해되지만, 사실 핵심은 감각을 설득하는 장치다. 반종교개혁의 맥락에서 바로크식 성당 건축은 신자에게 정서적·감각적 호소를 위해 기획되었고, 공간은 단순한 장소가 아니라 감정의 연출 장치가 된다. 성당의 동적 공간은 내부 구조에서 직선 축을 따라 단일한 시야를 제공하기보다, 곡면·타원·굴곡·연속 아치로 시선을 휘게 하며 움직임의 공간을 만든다. 이는 시각적 역동성을 넘어, 소리의 경로도 복잡하게 만든다. 왜냐하면 반사면이 단조롭게 평행한 구조가 아닐수록 특정 주파수만 강해지는 플러터 에코(flutter echo) 현상이 줄고, 소리가 고르게 퍼질 여지가 커지기 때문이다. 성당 실내 양식의 화려함을 대변하는 대리석, 금박, 청동, 회화적 천장 등은 시각적으로는 극적 대비를 만들고, 음향적으로는 단단한 반사면을 늘린다. 결과적으로 바로크 성당은 대체로 긴 잔향을 품기 쉬운 구조인데, 이는 음을 길게 끌어주지만 동시에 텍스트(가사)의 명료도를 떨어뜨릴 위험도 함께했다. 바로크 시대 종교음악이 선율의 빠른 전개보다 화성의 장중함과 잘 어울리는 이유가 여기에 있다. 특히 북유럽(개신교권 포함)에서는 회중 찬송과 오르간 중심 예배가 발달하면서, 건축 내부에 발코니(목조 갤러리)와 오르간 설치가 중요한 구성이 된다. 목조 발코니는 단단한 석재 공간의 과도한 잔향을 어느 정도 흡수·완화해 주기 때문이다. 이제 이 ‘바로크의 공간성’이 음악을 어떻게 낳았는지, 가장 상징적인 현장으로 들어가 보자. 2) 건축물이 먼저 작곡한 폴리코랄(공간 분할 합창) 베네치아의 산 마르코는 건축사적으로도 독특하다. 그리스식 정 십자가 평면과 그 위의 다섯 돔, 복층 아케이드 등 비잔틴적 구성 위에 베네치아의 의례·행렬 동선 스타일이 결합해, 내부는 한눈에 보이는 홀이 아니라 구획과 층위가 중첩된 공명 상자에 가깝다. 이 공간은 16–17세기 베네치아에서 발전한 베네치아 폴리코랄(다합창) 양식, 이른바 cori spezzati에 ‘물리적 그럴듯함’을 부여했다. 공간적으로 떨어진 합창(또는 성악·기악) 집단이 교대로 응답하며 음향 대비를 만들고, 그 대비 자체가 양식의 핵심 문법(에코, 강약 대비, 집단 간 경쟁/협주적 발상)을 형성한다는 설명이 널리 알려져 있다. 여기서 중요한 건 “음악이 건축을 사용했다”가 아니라, 건축이 음악의 작법을 강제했다는 점이다. 거리와 지연: 서로 떨어진 합창대에서 동일 박을 완벽히 맞추는 건 생각보다 어렵다. 지휘 기술이 오늘처럼 표준화되기 전에는 더더욱 그렇다. 그러니 작곡가는 자연스럽게 “정밀한 동시성”보다 “교대·대조·블록형 화성”을 선택한다. 이는 폴리포니의 촘촘한 직조보다, 덩어리의 대비를 선명히 드러내는 방향으로 음악을 만들어 낸다. 금빛 돔과 모자이크는 장식이면서 동시에 반사체다. 잔향이 풍부해지면 세부 선율의 빠른 움직임은 흐려질 수 있지만, 반대로 화성의 장중한 ‘울림’과 공간적 에코 효과는 극적으로 살아난다. “바로크의 웅장함”이 단지 악기 편성의 문제가 아니라 공간이 만든 청감이라는 얘기다. 그러나 건축이 가능성을 열어준 것과 그 가능성이 언제·어떻게 관행으로 굳었는지는 구분해서 보아야 한다. 그런데도, 결론만큼은 선명하다. 산 마르코 같은 건축은 음악을 “앞에서 뒤로 흐르는 선”이 아니라, 좌우·상하로 배치되는 입체적 사건으로 상상하게 했다. 훗날 20세기 음악과 음반 제작이 산 마르코의 공간성을 다시 호출한다는 논의까지 나오는 것도 그 연장선이라 할 수 있다. 3) 북유럽 바로크 성당의 장식성: ‘오르간 케이스’가 건축이 된 순간 이제 시선을 북유럽으로 돌리면, 바로크의 공간성은 다른 방식으로 음악에 개입한다. 이 지역의 성당 내부는 이탈리아식 환영(illusion)과는 다른 결로 발전하는데, 특히 눈에 띄는 것이 오르간과 갤러리 문화다. 북독일 바로크 오르간 전통을 이야기할 때 빠지지 않는 인물이 아르프 슈니트거(Arp Schnitger)이다. 북독일 오르간은 레퍼토리와 악기 구조가 결합 된 하나의 세계로 설명되며, 그 악기는 단순한 “설비”가 아니라 교육·연구·연주의 기준점으로까지 다뤄진다. 대표 사례로 성 야콥 교회 (St. Jakobskirche, 함부르크 소재)의 슈니트거-오르간 (Schnitger-Orgel)은 17세기 말 제작된 대형 악기로 소개되며, “북유럽에서 가장 큰 바로크 오르간”이라는 평가를 받는다. 여기서 ‘장식성’은 단지 화려한 조각의 문제가 아니다. 오르간 케이스의 전면은 건축의 파사드이며, 바로크와 로코코 오르간 케이스는 파이프를 숨기고 드러내며, 기계 장치를 “조각·금박·기둥”으로 형상화한다. 즉, 악기는 시각적으로 건물 일부가 되고, 소리는 그 파사드에서 뿜어져 나온다. 이때 장식은 음향의 출구(파이프 배열, 분산)와 시선의 출구를 동시에 만들어 낸다. 북유럽의 교회 내부 구조를 이루는 갤러리(발코니)와 좌석 구조의 발달 역시, 석재가 갖는 과도한 잔향을 완화하는 흡음·산란 요소로 기능한다. 특히 오르간과 합창이 주도하는 예배에서 음의 명료도가 중요한 경우에 더욱 그렇다. 결국 북유럽 바로크 성당의 ‘장식성’은, 이탈리아식 천장 프레스코화의 환영과 다른 길로, 악기 자체를 건축적으로 만들고 그 건축을 통해 음향을 제어하는 방향으로도 전개된다. 음악은 그 조건에 맞춰, 오르간 코랄, 프렐류드와 푸가, 성가 기반 즉흥 등, 공간을 채우는 방식으로 진화한다. 4) 로코코 건축: 큰 홀에서 작은 방으로, 교회에서 살롱으로 로코코는 바로크의 연장선이면서도, 방향이 달라진다. 바로크가 권력과 신앙의 ‘공적 장면’을 극대화했다면, 로코코는 사적 친밀성을 세련되게 미는 쪽이다. 로코코는 파리에서 18세기 초에 출발해 프랑스와 독일·오스트리아로 확산되며, 가벼움·우아함·곡선적 자연형 장식이 특징으로 요약된다. 중요한 변화는 실내의 스케일이다. 대형 ‘접견 살롱’이 더 작고 친밀한 방들로 쪼개지고, 그에 맞춰 장식과 가구도 소형화·기동화된다. 이때 음악의 다이내믹은 바로크적 ‘전시’에서 로코코적 ‘대화’로 이동한다. 큰 성당·궁정 홀은 강한 투사력과 지속음(오르간, 합창, 트럼펫 등)에 유리하다. 반면 로코코 살롱은 가까운 거리에서 미세한 뉘앙스를 감지하는 환경이다. 강한 잔향으로 장엄함을 만드는 대신, 짧은 잔향과 부드러운 확산 속에서 장식음이 “번쩍”이 아니라 “속삭임”이 된다. 이런 이유로, 로코코적 취향은 복잡한 대위법 보다, 가볍고 우아한 선율과 장식을 전면에 두는 방향으로 연주가 이루어진다. 음악의 레퍼토리 역시 그 중심이 ‘공적 의례’에서 ‘실내 취향’으로 바뀌어 간다. 살롱 문화와 주거 건축이 살롱 음악의 장르 감각과 맞물린다. 즉, 음악 형식(변주, 소품, 대화적 질감)이 거주 공간의 사용 방식과 상호 해석될 수 있다는 것이다. 프랑스의 프랑수아 쿠프랭이나 장 필리프 라모 같은 작곡가들이 보여주는 ‘세공된 장식’은, 단지 손가락의 기교가 아니라 살롱이라는 소규모 음향의 장이 요구한 감각의 언어로도 읽을 수 있다. 그리고 18세기 중반 이후 카를 필리프 에마누엘 바흐의 예민한 수사는, “큰 울림”보다 “가까운 청취”가 가능한 공간에서 더 직접적으로 작동한다. 5) 로코코 성당의 공간 실험: 곡선과 타원이 만드는 ‘부유하는 소리’ 로코코는 살롱만의 양식이 아니다. 독일·오스트리아권에서는 로코코가 성당에 들어가 빛과 곡선의 쾌락을 극대화한다. 예컨대 바이에른의 피어쩬하일리겐 (Vierzehnheiligen) 성지교회는 18세기 중엽에 건설된 로코코 성당으로, 설계자는 바탈자어 노이만(Balthasar Neumann)으로 알려져 있다. 이 성당의 평면 구성은 ‘직선 축의 위계’보다 타원과 원형 공간의 연쇄가 강조되는데, 이런 구성은 소리를 특정 축으로만 보내기보다 부드럽게 회전시키고 확산시키는 조건을 만든다. 바로크가 드라마의 “장면 전환”을 즐겼다면, 로코코 성당은 드라마보다 부유감을 즐기는 셈이다. 소리가 벽에 부딪혀 되돌아오는 것이 아니라, 장식과 곡면을 타고 “흘러서” 퍼지는 듯한 인상을 준다. 이처럼 건축은 음악의 ‘숨은 작곡가’라 할 수 있다. 바로크와 로코코 건축을 관통하는 핵심은, 장식의 많고 적음이 아니다. 그것은 청취의 조건을 설계하는 방식이다.바로크 성당과 궁정은 장대한 잔향, 강한 반사, 장면적 대비로 음악을 공적·연극적 사건으로 만든다. 산 마르코 같은 복합 공간은 다합창·공간 대비라는 발상을 물리적으로 유혹해, 음악을 입체적 배치로 상상하게 만든다. 북유럽의 바로크 성당은 오르간과 갤러리 구조를 통해 장식과 음향을 접합하며, 악기 자체를 건축적 파사드로 만든다. 그리고 로코코 시대 부산물인 살롱이라는 실내 환경은 작은 방들의 친밀성을 발명해, 음악을 대화·뉘앙스·세공의 예술로 재조정한다. 그래서, 평소 클래식 음악사를 읽을 때, 우리는 악보와 작곡가만 보지 말고 “벽과 돔, 금박과 목재”도 함께 읽어야 한다는 점을 알려준다. 즉 어떤 시대의 음악이 무엇을 아름다움으로 삼았는지, 그리고 그 음악의 미학적 결과물의 절반은, 이미 각각의 시대를 대표하는 건축이 우리의 귀에 음악을 미리 써 놓았을지도 모른다는 말에 고개를 끄덕이며, 음악사를 알아가는 우리에게 각 시대의 건축 양식 또한 중요한 요소란 점을 느껴보는 경험을 가져 보면 음악사가 주는 또 다른 매력을 발견할 수 있다.

‘소년은 왜 춤추기 시작했는가’ Billy Elliot에 대한 문학적·철학적 해설과 공연 리뷰

K-Classic News 글 │ 손영미 작가 · 시인 · 칼럼니스트 인간은 때때로 자신에게 가장 금지된 곳에서 운명을 발견한다. 소년 빌리에게 그곳은 거친 복싱장이 아니라, 부드러운 발레 교실이었다. 탄광의 먼지가 폐부 깊숙이 스며들던 영국 북부의 음울한 회색 도시. 파업과 실업, 가난과 분노가 뒤엉킨 시대 속에서 사람들은 생존을 위해 이를 악물고 있었다. 그 거친 풍경 한가운데서 한 소년은 묻는다. “나는 왜 춤을 추고 싶은가.” 그 질문은 단순한 취미의 발견이 아니다. 그것은 존재가 자기 영혼의 진동수를 처음으로 감지한 순간에 가깝다. 빌리는 세상이 규정한 ‘남성성’의 틀에서 벗어난다. 강해야 하고, 싸워야 하며, 울지 말아야 한다는 완고한 질서 속에서 그는 몸이라는 도구로 다른 언어를 말하기 시작한다. 흥미로운 점은 그 언어가 ‘말’이 아닌 ‘춤’이라는 사실이다. 춤은 인간의 가장 원초적인 언어다. 언어가 탄생하기 전, 인간은 몸으로 슬픔을 새겼고, 기쁨을 하늘로 던졌으며, 절망을 발로 구르며 견뎌냈다. 빌리의 도약은 단순히 미학적인 발레 동작이 아니다. 그것은 억압된 존재가 자기 영혼의 감옥을 박차고 나오는 철학적 몸짓이다. 특히 작품 속에서 인상적인 지점은 ‘침묵하는 남성들’의 변화다. 광부인 아버지와 형은 사랑을 표현하는 법을 모른다. 시대의 피로와 투쟁 속에서 감정을 거세당한 이들이다. 그러나 빌리가 춤추는 찰나, 그들은 비로소 깨닫는다. 인간은 단지 ‘빵’만으로 사는 존재가 아니라는 사실을…. 예술은 생존 이후에 누리는 사치가 아니다. 오히려 가장 절망적인 순간, 인간을 인간답게 남게 하는 최후의 불꽃이다. 뮤지컬 무대에서 이러한 감정은 더욱 강렬하게 증폭된다. Elton John의 음악은 거친 노동의 리듬과 소년의 섬세한 내면을 절묘하게 교차시킨다. 특히 〈Electricity〉가 울려 퍼지는 순간, 관객은 더 이상 타인의 춤을 관람하는 제삼자에 머물지 않는다. 우리는 어느새 각자의 삶 속에서 한 번쯤 접어두었던 꿈의 얼굴을 떠올리게 된다. “춤출 때 어떤 기분이 드니?” 그 질문에 빌리는 논리적인 답변을 내놓지 못한다. 다만 이렇게 말할 뿐이다. “전기(Electricity)가 흐르는 것 같아요.” 이 대사는 현대 예술철학의 핵심을 관통한다. 진정한 예술은 논리보다 먼저 도착한다. 인간은 어떤 아름다움 앞에서 먼저 전율하고, 이해는 그다음에 찾아온다. 예술은 해석되기 이전에 이미 몸 안에서 발생하는 ‘사건’이다. 무대의 대미를 장식하는, 성인이 된 빌리가 공중으로 비상하는 장면은 흔한 성공 서사가 아니다. 그것은 한 인간이 자기 존재의 무게를 이겨내고 삶의 중력을 극복해내는 경이로운 순간이다. 가난은 여전하고 세상은 크게 달라지지 않았을지 모른다. 하지만 단 하나, 결정적인 변화가 있다. 소년이 더 이상 자신의 재능을 부끄러워하지 않는다는 것. 어쩌면 인간의 자유란 거창한 혁명이 아니라, 자신의 영혼이 지시하는 방향으로 단 한 걸음 내디딜 수 있는 용기일지도 모른다. 그러므로 Billy Elliot는 단순한 성장 서사가 아니다. 그것은 “인간은 어떻게 자기 자신이 되는가”에 대한 가장 아름다운 질문이다. 그리고 그 질문은 오늘날 우리에게도 여전히 유효하다. “당신은 무엇 앞에서 가장 자유로워지는가.” 마지막 조명이 꺼진 뒤에도 마음속에 길게 잔상이 남는 것은 화려한 테크닉이 아니다. 한 소년이 세상의 편견보다 자기 심장의 떨림을 더 신뢰했다는 사실이다. 그 믿음이야말로, 예술이 인간에게 건네는 가장 숭고한 용기다. 신시컴퍼니의 제작 의도 신시컴퍼니 는 이번 2026 프로덕션에서 단순한 라이선스 재공연을 넘어, “지금 이 시대에 다시 필요한 이야기”로서의 빌리를 강조한다. 7세 어린이부터 80대 원로 배우까지 약 60여 명의 배우와 앙상블이 함께 만드는 대형 무대는 단지 규모의 과시가 아니다. 그것은 한 소년의 꿈이 결국 공동체 전체를 변화시키는 서사임을 상징한다. 탄광촌이라는 척박한 현실 속에서도 끝내 인간 안의 예술성과 존엄은 사라지지 않는다는 메시지… 그리고 세대와 계층, 편견과 현실을 넘어 “자기 삶의 리듬을 끝내 포기하지 않는 인간”에 대한 찬가가 바로 이 작품의 핵심이라고 박명성 대표는 전한다. 특히 이번 시즌은 과거 시즌에서 사랑받았던 배우들과 새 오디션을 통해 선발된 새로운 빌리들이 함께 어우러지며, 작품이 지닌 ‘세대의 계승’이라는 의미를 더욱 깊게 만든다. 무대 위에서 빌리는 춤을 배우지만 객석의 우리는 그를 통해 ‘자기 삶을 끝내 포기하지 않는 법’을 배우게 된다. 2026 공연 일정 안내 Billy Elliot Korea Production 2026 • 공연 : 뮤지컬 《빌리 엘리어트》 • 제작 : 신시컴퍼니 • 음악 : Elton John • 원안 연출 : Stephen Daldry • 장소 :블루스퀘어 우리은행홀 • 주최 : SBS · 신시컴퍼니 • 공연 기간 : 2026년 4월 12일 ~ 7월 26일 “가장 아름다운 도전, 탄광촌의 소년, 꿈으로 날아오르다.” 그 문장은 결국 무대 위 빌리만의 이야기가 아니다.우리 모두가 한때 마음속에 품었던 가장 조용한 꿈의 이름일지도 모른다.

[탁계석 칼럼] 대한민국 3대 아리랑 연합회의 출범은 아리랑 세계화의 변곡점이 될 것

전통 보존과 창작 개발, 양날개의 균형을 잘 잡아야 멀리 날수 있다

K-Classic News 탁계석 예술비평가 회장 | 밀양시는 지금 아리랑의 물결이다.정선·진도·밀양, 대한민국을 대표하는 3대 아리랑이 손을 맞잡고 ‘대한민국 3대아리랑연합회’를 출범시킨 것은 단순한 지역 연대가 아니다. 그것은 보존 중심의 시대를 넘어, 세계 시장으로 향하는 새로운 선언이다. 5월 8일 밀양소통협력공간 3층 컨퍼런스홀에서 열린 이번 출범은 한국 전통음악사에서 상징적인 장면으로 기록될 것 같다. 오랫동안 각 지역의 정체성과 향토성 안에서 보존되어 온 아리랑이 이제는 서로의 벽을 허물고, 공동 브랜드와 공동 플랫폼으로 세계를 향해 나아가겠다는 뜻을 천명했기 때문이다. 이때 무엇보다 중요한 것은 “아리랑이 지역의 노래가 아니라 세계인의 노래가 되어야 한다”는 시대적 자각이다. 이같은 변화는 결코 우연이 아니다. K-Pop과 K-컬처가 세계를 움직이는 지금이야말로 아리랑 세계화의 절호의 타이밍이다. 연합회의 출범을 진심으로 축하드린다. 정선의 깊은 산맥, 진도의 바다와 한(恨), 밀양의 뜨거운 정서가 하나의 큰 강물로 합쳐진 이번 결단은 한국 문화사의 새로운 변곡점이 될 것이다. 올해는 한국인보다 한국을 더 사랑한 헐버트 박사가 아리랑 악보를 채록한 지 130주년이 되는 해이고, 나운규의 영화 「아리랑]이 100주년을 앞둔 역사적 시간이지 않는가. ‘아리랑 르네상스’의 시간으로 볼수 있겠다. 아리랑은 민요이면서 독립의 노래였고, 민중의 한(恨)이면서 희망의 노래였다. 그리고 지금 BTS가 지난달 광화문 콘서트를 시작으로 아리랑 컨셉으로 세계를 움직이고 있는 시대다. 때문에 아리랑은 더 이상 ‘전통민요’가 아니라 글로벌 콘텐츠 IP가 된다. 결국 중요한 것은 연결이다. 전통과 현대, 민요와 클래식, K-Pop과 국악, AI와 콘텐츠 산업이 연결될 때 비로소 아리랑은 살아 움직이는 거대한 플랫폼이 된다. 2012년 유네스코 아리랑 등재를 계기로 2013년 국립합창단이 칸타타「송 오브 아리랑」(작곡 임준희)을 무대에 올린 것도 이같은 문제의식이었다. 아리랑은 이미 세계성과 보편성을 충분히 증명하고 있다. 필요한 것은 책임있는 예술기관들의 국가적 전략과 특히 한류기업들의 동참과 플랫폼 역할의 중요성이다. 지역마다 다르고, 시대마다 다르고, 부르는 사람마다 다른 아리랑의 무한변주가 앞으로도 이어질 것이다. 또한 AI 시대의 아리랑은 방대한 아리랑 선율 데이터와 지역 설화, 리듬, 음색, 감성 패턴을 분석하여 수천 개의 변주를 만들 수 있다. 중요한 것은 인간의 철학과 방향성이다. AI가 속도와 기술을 담당한다면, 인간은 의미와 서사를 책임져야 한다고 '의미 문명'을 설파해 가고 있는 캡틴 강상보는 말한다. 동시에 앞으로는 다양한 장르 확장으로 이어져야 한다. 아리랑 빅3 연합체가 가야 할 청사진 대한민국 3대아리랑연합회가 진정한 글로벌 플랫폼이 되기 위해서는 몇 가지 전략적 방향이 필요하다. 첫째, 공동 브랜드화다 각 지역이 따로 움직이는 것이 아니라 ‘K-Arirang’이라는 통합 브랜드를 구축해야 한다. 둘째, 국제 페스티벌 체계 밀양·정선·진도를 순회하는 국제 아리랑 페스티벌을 만들고, 해외 도시와 연결해야 한다. 셋째, 교육 플랫폼 구축 세종학당, 해외 한국문화원, 대학, 합창단과 연결해 세계인이 배우는 아리랑 시스템을 만들어야 한다. 넷째 디지털 아카이브 AI 기반 음원·악보·영상·스토리 데이터베이스를 구축해 누구나 활용할 수 있는 글로벌 플랫폼을 만들어야 한다. 다섯째, K-관광과의 결합 아리랑은 단순한 공연이 아니라 지역 풍경과 음식, 역사, 사람의 정서를 함께 체험하는 문화관광 자산이 되어야 한다. 결국 아리랑의 미래는 ‘연결의 예술’에 달려 있다. 세계인의 노래가 되는 날까지 이번 연합회 공동체제의 할 일은 너무나 많다. 아리랑이 대한민국의 노래를 넘어 인류의 노래가 되기를 희망한다.